慢吞吞打字行

1 藝術鑑賞是邏輯與直覺的綜合運用，是理性思維與感性體會的結合，理性和感性就像是一對翅膀，帶領我們一起遨翔於藝術鑑賞的世界裡。要提昇自己的審美水平，先要從生活之中培養對萬事萬物的尊崇，以及以美的欣賞角度來審視人間萬象，進而才能提昇自己的審美能力，欣賞最高層次的美感。 藝術鑑賞可以區別成「鑑」與「賞」兩個層面的意義。 一、「鑑」是一種理性的審美活動，它意謂著「鑑別」，是一種邏輯性的認知過程。「鑑」的意義在於藝術欣賞者對欣賞對象進行審美思維與判斷，思維其技巧與形式的運用與意義，判斷其在審美上的價值與意義。一般說來，「鑑」的活動，常常會對所欣賞對象進行局部或從某一個角度的分析與解讀，以幫助欣賞者深入掌握審美對象的整體意義。 二、「賞」是一種感性的審美活動，它意謂著「欣賞」，藝術欣賞者對欣賞對象進行直覺方式的認知與掌握，欣賞者直接以心靈感應作品的美，而不經過邏輯性、意識性與分析性的思維。簡單的說，「賞」就是一種欣賞者直接對作品的感受。一般而言，欣賞者純粹而直接感知對象的美，在視覺藝術領域裡，欣賞者直接感知造型、形式、結構、色彩、動態等元素所呈現的整體美。 另外，藝術鑑賞可以分別從下列三個方面來探討： 一、審美能力的培養與訓練 二、藝術審美教育的意義 三、審美即是創造 2 書法是形象的視覺藝術，中國書法藝術從技巧層面來看，書法的「勢」是書法藝術鑑賞的核心，「勢」是指一種線條的動態與秩序排列關係的營造，書法家是以具體的字形連貫而成的各種筆勢、字勢、走勢與體勢的變化。 從心理層面來看，書法線條所形成的「勢」，代表著書寫者的各種心理狀態，像是激昂、奮發、內斂、憂傷等等情感的流動，經過書寫者醞釀、沈澱之後所抒發出來的表現。所以中國書法藝術，不僅僅是一種藝術行為，同時它也與生活哲學息息相關。 書法是視覺造形藝術，它具有不脫離文字造型的抽象形象、時序性的節奏表現、時序性的空間表現、具有文字內涵的視覺藝術表現等特質。 因此，欣賞書法藝術的幾點原則： 一、從技巧層面而言：書法的筆墨的濃淡、乾濕、疾緩的節奏變化。 二、從結構、章法而言：書法線條點畫組合的漢字結構，藝術造型的意趣和哲理。 三、從整體章法、氣勢的美感而言：書法的篇幅的布白、神采，包括結字、行氣、章法，書法的精神氣質、格調風韻。 3 中國書藝不僅僅在於形式美的追求而已，真正的書法藝術，是自求內心的體道，而非馳求於外界形式、色彩與技巧的變化而已。在書法藝術形式的追求之中蘊藏著對於「本來心性」體悟的企圖與自然而然表現的追求。 因此書法藝術與文學、哲學、藝術的素養密不可分，更是一種專注力的心性修養，從專注的書寫之中，忘掉一些煩惱與雜慮，使身心呈現自在、輕鬆的狀態。書法是在培養去除雜念的修養，可以澄懷靜慮，減少向外追求名利、事業、佔有的慾望，身體自然放鬆安詳，內心自然成就寧靜與空靈的狀態。中國文化的內涵可以說與「氣」的觀念息息相關。中國的書法藝術更是一種「氣」的實踐。 古人所謂「氣由靜生」，是說明真正的書法藝術是無為而為的行為表現，以自然之氣動書寫，那就是宋代畫家郭若虛所謂的「默契神會，不知然而然」的境界，是一種只能感動而無法言釋的情狀，而其所形成的書法作品能在無違於理性的秩序之下自成一格。 自從二十世紀1970年代以來，書法在日本書道藝術走向現代的刺激與西方抽象藝術的影響之下，台灣現代書法創新也大幅度呈現出新的活力與發展，對於現代書法藝術的再生具有重要的意義。從現代書藝所表現的型態，我們可以大概歸類出兩個特色： 第一、書法與繪畫性質的互相滲透 第二、引西潤中的前衛性嘗試 4 中國繪畫藝術源遠流長，有著一脈相承的歷史，豐富的文化藝術表現與令人讚嘆的成就。傳統中國的繪畫藝術，因為人才輩出，歷史悠久，長久以來，一直是華夏民族的藝術表現工具，隨著時代與區域的不同，更有著多采多姿的表現。 中國繪畫的發展，不論花鳥、人物、山水等畫科，都可以概略地區分為工筆與寫意兩種畫法。「工筆」是嚴謹的畫法，在結構與與技法上都力求精細，色彩的使用也較為多元而華麗。「寫意」是隨興而簡單的畫法，在結構、色彩與技法上都力求簡略，筆法瀟灑自由，重視個人當下情感的再現。 另外從中西繪畫的形式上有下列幾點差異： 一、從構圖上來看中西方繪畫在表現上的差異，西方採取的是「焦點透視法」，即畫面上只能有一個固定的觀察點。而中國繪畫則是採取「散點透視法」，即從許多視點觀察對象。 二、從技巧上來看，由於書法與繪畫都是應用毛筆，所以自古以來就有「書畫同 源」的說法。 三、造型上，西方繪畫主要是以光線明暗來顯示物體的形象，以塊面表現形體，用色彩標示物與物的界限。 中國繪畫則多是通過線條來劃分物體與物體之間的界線，因此，中國畫家對於線條特別重視，中國畫的線條，也特別富於表現力。 四、在設色上，西方繪畫講究細緻的真實表現能力，表現出物體在特定環境中的光影與色彩的變化，掌握物象與環境互動之下的「物質表象變化」。中國畫的用色則力求單純概括，把複雜的對象的色彩簡化為一種主要的色調，而不執守其實際色彩。主要在掌握住物象的「終極本質」。 因此，中國繪畫最講究的是「氣韻生動」，不論人物、山水、花鳥，都是表現這一最高的審美標準。 5 繪畫藝術的鑑賞重點，在於「形式」、「技法」與「內容」，西方除了因為媒材上與中國水墨畫有著迥異的差別之外，在形式、內容與觀念上也有著很大的不同。 廣義的西方繪畫包括自古希臘、羅馬以及埃及、中東的繪畫。狹義的西方繪畫，則指的是歐洲與美洲的繪畫藝術。 一般而言，西方傳統繪畫在希臘羅馬時代，是以描繪日常生活景象或是歌頌眾神為主，而中世紀時期，則主要是以宗教事蹟為表現對象，奉神的旨意和教會的威權領導來進行創作工作，其主要目的不是個人創造性的發揮，而是基督教教義的傳播。 到了文藝復興時期，西方繪畫受到「人本主義」思潮的影響，開始有了巨大的轉變，文藝復興意思是「再生、復興」，本意係指希臘、羅馬時期古典價值觀的再生，亦即對中世紀美術樣式化表現的反動。 但自文藝復興之後的西方繪畫，卻以長江後浪推前浪的速度產生各種風格的變化，從巴洛克、洛可可到新古典主義的發展可以窺見這一端倪。 十八世紀以後，歐洲社會進入變動的時代，民主思潮的興起，工業革命的啟動，商業貿易的拓展以及科學研究的勃興，加速了歐洲國家在世界版圖的活躍能力，也使其文化加速進展，在繪畫觀念與風格上的演變也就有了日新月異的發展。甚至對於傳統油畫，在技法與創作觀念上都有著全然不同的見解，於是自印象派現代主義的濫觴，開啟西方的繪畫進入了百花齊放、各家爭鳴的生態，例如野獸派、立體派、超現實主義、抽象繪畫等等。 二十世紀中期開始，西方藝術進入更為多元的表現，像是裝置藝術、複合媒材藝術、觀念藝術、錄影藝術、行動藝術等等。深入欣賞當代西方藝術，必須有著豐厚的審美素養，否則很容易迷失在當代狂亂的藝術叢林之中。 6 台灣的繪畫發展，的確是有其獨特的一面。要瞭解台灣繪畫的發展與風格，必須要先對台灣台灣繪畫藝術的時空背景及其源流，有一個初步的掌握。 台灣的社會在歷史的演變之下，原先發展著原住民的文化，像是排灣族、阿美族、布農族、邵族等少數民族，各自有不同的文化；台灣的社會也曾經陸陸續續接受大陸文化的洗禮，更由於在十七世紀以後，曾經先後被荷蘭、日本佔據，也接受過他們所給予的影響。台灣繪畫的發展可分為下列幾個時期： 明鄭、清領時期：台灣早期移民來自福建、廣東，鄭成功據台之時，漢人逐漸將閩南一代的中國文化帶入台灣。鄭氏王朝滅亡之後，清領時期的台灣美術帶有「閩習」的文人畫風格，並成為文人、富商附風和雅之作。 日據時代：日本佔據台灣時期，台灣美術吸收日本在學習西方印象派畫風與技法之後，形成所謂的「外光派」技法與觀念，陳澄波、李石樵、洪瑞麟、楊三郎等人的油畫，可以做為代表。另外透過美術教育與舉辦美展的方式，有意地提倡東洋膠彩畫，吸引了大批台灣菁英份子去從事創作，林玉山、郭雪湖、陳進等人，都是其中的代表性人物。另一方面，吸引了許多繪畫菁英到日本學習，使得留學日本的台灣畫家人才輩出，像是李石樵、李梅樹、楊三郎等等，這一時期的發展奠定了台灣美術現代的基礎。 1949年國民黨播遷來台發展：國民黨時代帶來一批大陸各個省分的移民，為台灣文化的多元性，注入一股新的力量，例如渡海三家張大千、溥心畬、黃君璧。其次，美國在第二次世界大戰之後，對台灣經濟與軍事上的援助，使得在1950年以後，台灣文化的發展，開始吸收以美國為首的西方文化。 本土意識的勃興：六o年代在後現代思潮衝擊之下，台灣畫壇不僅呈現出不斷推陳出新、多元展現的特點，同時也被所謂的本土意識所籠絡，鄉土風物與本土歷史的瞭解與深化成為各地追求的主流思想。 7 音樂是聲音的藝術，古代希臘哲學家柏拉圖就認為，音樂不僅影響人的情感，而且比別的事物更容易滲透到人類的心靈深處。音樂是相當抽象的藝術，因為抽象，所以容易激發欣賞者的聯想與想像力，又因為其具備節奏與旋律，所以往往可以使人隨音樂起舞、和著節奏歌唱。 旋律、節奏與和聲，是「音樂三要素」，但是事實上，音樂所包含的元素要遠大於此三項。音樂是運用旋律、節奏、和聲、力度、速度、調性、曲式、音色等元素，透過各種手段塑造獨特動人的藝術效果，來表達審美情感的藝術形式。 一、「旋律」，又稱曲調，是建立在一定的調式和節拍之基礎上，所構成具有一定邏輯關係而互相連續的單音進行，它是音樂組成不可缺少的要素，它可用於單聲部或是多聲部的結構之中。 二、「節奏」，是指樂音時間長短變化的排列。強弱、快慢、鬆緊是節奏的表現方式。節奏的作用在於將樂音以強弱、快慢、鬆緊等方式組織成一個的整體表現，以忠實地傳達樂曲內在的意涵。 三、「和聲」，則指的是兩個以上的聲音同時發出所形成特殊的音色效果，就好像繪畫裡多種顏色混在一起的效果一樣。 四、「力度」指的是樂曲演唱或是演奏之時音量的強弱程度的變化。 五、「速度」指的是音樂進行之時節拍的相對快慢程度，作曲家根據所要表現的內容，可以將「速度」和「力度」的符號，標示在樂譜裡面，以提示演奏者的表現方式。 六、「調式」是若干高低不同的樂音，圍繞著一個有穩定感的「中心音」，按一定的音程關係所組成的一個有機的聲音體系，稱之為「調式」或是稱為「調子」。 8 音樂不像繪畫，只需要經過畫家的巧手、思想與感情就可以表現出來，音樂的傳達似乎更為複雜，它需要作曲家、演奏家、指揮家等人的通力合作，為了要能更深入領略音樂的美感，欣賞者必須擁有更多的知識，包括組成音樂的各種要素，演奏家與指揮家的詮釋與技法，以及這些演奏家感情的表現等等。 音樂的元素除了上個講次提到的旋律、節奏、和聲、力度、速度、調性之外，還有曲式、及音色等元素。曲式，指的就是樂曲的形式、結構與組織。「曲式」是音樂作品的形式，就好比是繪畫的外在形式或是畫面的結構或是組織，有長卷、橫幅、斗方等一樣，是具備一定邏輯的樂音結構。 「音色」又稱之為「音質」，由於發聲體振動的方式、頻率的差異，導致不同的樂器乃至同一種樂器的音色有所不同。 隨著人類對於聲音知識的掌握與長期實踐的經驗，音樂的表達趨向於複雜，由早期「單音音樂」，逐漸演變成由兩個聲音一起同時發出組成音樂的表現逐漸產生，音樂學家稱之為「複音音樂」，一般說來，複音音樂是在聲音協和的原則下，兩個或兩個以上的獨立曲調同時進行的音樂，稱之為「複音音樂」。 作曲是一種藝術創作，創作的原理和繪畫、文學等藝術一樣，只是作曲家所使用的元素為掌握音色、和聲、旋律、曲式、對位等技巧。因此作為一位稱職的作曲家，除了基本的樂器演奏技巧，更要掌握每一種樂器的音色以及編組樂曲之時的和聲、旋律、曲式、對位等知識與技巧。 畫畫室 美美術 色色彩 台中市文心路二段...想學繪畫請電04-2310-0005